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セイモアバーンスタイン著 出版年:1981 出版社:音楽之友社 (私は原文を読みました) 実体験に基づく教訓をつづった回想録として書いてきていた本の枠組みをもっと直接的なハウツー本にすることに決めてから、お手本になりそうな本を読み漁っている。この本はピアノ奏法に自己考察・倫理・人生観などを投影させるという意味で、私の本の一側面と趣旨を同じくしている。色々参考になった。 著者の文章力には舌を巻く。言葉が的を得ていて無駄が無い。文章にリズムがあり、次へ次へと誘われるように読みやすい。そして本の構築が分かりやすく、理にかなっている。ハウツー本は通常、事実・情報とそれをストーリー化した例が交互にくる形で書かれる。この本はどちらかと言うとストーリーに重点が来ていたが、情報・事実と例との移行がさりげなく、バランスが良い印象を与えた。(実際には、私に言わせると情報がもっとあった方が良かった。) この本で、美しい文章に懐疑的になっている自分を発見した。例えば自分と生徒と関係の発展性について書くとき、美しい文章作成を優先するあまり、事実や信念が脚色されていることは無いか、と思ってしまうのだ。ハウツー本の落とし穴発見!気を付けようと思った。 そう思ってしまったのには他にも理由がある。この本の主張は主に著者の信念・過去の恩師や同業者へのインタビューや会話、そして生徒とのやり取りなどに基づいていて、科学的や史実的な検証は少ない。心理学については少し触れられている(が、ユングの集団心理学など。)し、歴史についても全く言及しないわけではない(古代ギリシャが出てくるが、音楽史はほとんど出てこない)。そして脳に関する言及が2か所ある。が、簡単にグーグル検索したところ、どうやら脳の右左を間違えているようなのだ。更に、著者の主張の裏付けと言う意味でも、読者のためにも、脳の部位の名称や右左は、全く不必要だったのだ。よく考えると、ここで脳の部位の名称が出てきたのは要するに、著者が自分の権威を設立するためだけだったのだ。これはハウツー本の落とし穴その②!! 気を付けよう! 不必要に批判的にこの本を読んでいるのは、私がこの本を書き方教室と捉えているからだ。この本はとても良く書かれていると思うし、著者はこの本を善意を持って書いていると思う。大体ピアノ演奏を啓蒙への道として捉えた本が1980年代に注目を浴びた事実には勇気づけられる。さらに、この著者に関するドキュメンタリーが2015年に注目されている。「シーモアさんと大人のための人生入門」 私もこの本から実際役立つ情報もいくつかゲットした。例えば腕の重みを上手く奏法に取り入れるために、手首の周りに重りをつけて練習するというアイディア。やってみて開眼(7章目)。それから一つの関節(例えば手首)を自由に楽に使うためには他の関節(例えば肘、肩)が固定されていないといけない、と言う事実は言われてみて初めて納得した(5章目)。それから息を意識的に使って感情や感性を高める(4章目)-これは心身心理療法と言う私が初めて知った心理療法から来ていて、やってみて非常に感じ入った。 この本は一日で読み切る必要があり、斜め読みした部分も多いが、翌朝の練習は非常に充実した、発見の多い物だった。こういう本を10代で読めていたら非常に救われたのでは、と思う一方、10代の時には絶対読まなかった類の本だ、とも思う。じゃあ、私のハウツー本を10代に読みたいと思わせるためにはどうすれば良いのか?イメージ戦略?SNSマーケティング? 取り合えずダイエット中。3キロやせた。体脂肪は現在19.5%~20%。やはり痩せるとすっきりする・目が大きくなる。
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時間の感覚は主観的です。「時間の芸術」と言われる音楽の醍醐味の多くはそこにある。でもメトロノームの商品化で、音楽の速度を定量化するという概念が広まりました。メトロノームの弊害はそのまま産業革命がもたらした価値観の社会的弊害の象徴として語れるのでは?今朝練習しながらふと、そんな壮大な考えが頭に浮かんでしまいました。 時間の感覚が主観的なのは、過去は記憶、将来は想像、そして現在は瞬間的かつ感覚的だからです。印象が強い体験をした時間は長く感じる。逆に退屈な時間は記憶には残らないでしょう。音楽で言えば、2分間しか無い曲の最後の音が消え入るのを聞き入るとき、あたかも旅から帰ってきたような、夢から覚めるような感覚を味わうこともあれば、30分の曲を固唾をのむように聞き入ってまるで一瞬の出来事だったような気がするときもあります。 ホールの音響でも、テンポの感覚は変わります。残響の多いホールでは、速いパッセージは音が濁って「速い」ではなく「聞こえにくい・分からない=記憶に残らない」になりがち。なので、かみ砕くように弾かなくてはいけません。逆に残響が少ないホールでは、リズムが非常に重要です。奏者も聴衆も一体になって乗れるリズムと言うのは、奏者の弾ける一番速いテンポでは、概してありません。なんにせよ、音楽に於いて大事なのはBPM(Beats Per Minute=一秒間に何拍あるか=メトロノームの単位)ではない、と言うことです。大事なのは、メロディーの流れ、リズムの躍動感、曲の構築、感動、そして最終的に何が記憶に残るか、です。 私は音楽は人生だと思っているので、飛躍に思えるかもしれませんが、ここで一つ大きな表明をさせてください。 長寿は目的ではない。 BPMが奏者の目標であってはならない様に、私に言わせれば長寿は人生のゴールであるべきではない。大事なのは、我を忘れる没頭ができる瞬間。微笑んだり笑ったりしながら浸れる思い出をいかに多く周りの人と共有できるか。自分の創作・発信。そう言った事ではないでしょうか?人生で大事なのは計測できるものではない。音楽・創造性・共感・愛情...私が、自分の音楽人生を賭けて世に訴えようとしているのは、そういう価値観の転換です。
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音楽と雑音の違いは何でしょう? 脳神経科学的に言うと、音楽と雑音の違いは脳がパターンを認識できるか否か、だそうです。 .(私も最近知りました。) じゃあ、これは音楽?ノイズ? 今挑戦している、ジョリヴェの「リノスの歌」と言う曲です。4月上旬に演奏予定です。ジョリヴェは超困難、と言うのは巷の評判です。「何度練習中に楽譜を床にたたきつけたことか…」と告白したのは、私の同僚のピアニスト。普段は優雅でおっとり。その彼女までを怒り狂わせるジョリヴェ。 何が譜読みを難しくさせるのか。大きく分けて二つあります。①技術的に弾くのが難しい(例えば非常に速いとか、跳躍が続く、など)②パターン認識が難しい。ジョリヴェは②です。技術的にも難しいのですが(手にはまらない)、今日のブログでは②の問題に集中しましょう。 楽譜を読みながら何度も何度も繰り返して練習しているピアニストですらパターン認識が難しい曲は、聴衆に一回聞いただけでパターンを認識して音楽として楽しんでもらうのは不可能なのでは?それでは私が今この曲を練習している意義は何なのだろう?...そんな邪念が浮かんでくるので、ますます譜読みが遅遅として進みません。 (楽譜の中になんとかパターンを見つけて、出来るだけ短時間で効率よくジョリヴェの譜読みをやっつけよう!) と、焦れば焦るほど、空回りしてむなしく時間だけ過ぎていきます。 ...ところが、そこでハッと思い当たったのです。 現代音楽とか、現代アートと言うのは、既存の常識や固定観念を破壊することで、新しい世界観・感覚・意思疎通を試みる、と言うのがその存在意義の一つです。現実をパターン化する事で安心する脳みそに、敢えて抗うんですね。そうしたくなるモチベーションはどこから来るのか?向上心?野心?アーティストのエゴ?出どころは全て「心」の様な気がします。 「脳みそ」 vs. 「心」 ジョリヴェさんがこの音の組み合わせでしか表現できないと思ったものはなんだったのか?そこに「美」を見つけてみよう。そう思って練習を再開。すると全く違う音楽体験が生まれてきたのです。 「パターンを解する」のではなく、「パターンを見出す」、そしてジョリヴェの書いた楽譜の上に自分の音楽を「創り出す」。「仕事」ではなく、「芸術」ー 「創造の過程」。 既存のパターンに全てをはめ込もうとする、と言うことは例えば個人をステレオタイプに無理やりはめ込む、と言う心無さにつながります。効率化は、ある程度は必要です。日常行為の全てを毎回「芸術=創造の過程」と捉えていたら、何にも進まなくなってしまう。でも、逆に全てを効率化しようとすると、そこには心無さが出てきてしまう。Diversity and Inclusionの新しい価値観の現代、柔軟な世界観には、現代アートのチャレンジが必要なのでは? あくまでバランス。 練習してると、色々な事を考えます。
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“Visions Take Flight” はヒューストンでは「ROCO」の愛称で親しまれている River Oaks Chamber Orchestraのデビューアルバムです。 私は2014年以来ROCOのメンバーとして、鍵盤楽器を担当しています。このアルバムはROCOらしい。ROCOはモーツァルトやメンデルスゾーンなどのいわゆる定番クラシックも演奏しますが、何よりも沢山の委嘱作品の世界初演で有名です。このアルバムを制作するにあたって、創始者で総監督の首席オーボエ奏者、Alecia Lawyerが 団員に「今まで演奏した中で一番思い出に残る曲」とアンケートを取ったところ、5曲全てが委嘱作品!その5曲をそのままアルバムの演目にした、本当に民主的なROCOの風潮を反映したアルバムなのです。 英語ですが、アルバム制作中のヴィデオを下でご覧ください。 このアルバムのプロデューサーが「2020年のプロデューサー・オブ・ジ・イヤー、クラシック」カテゴリーのグラミー賞を勝ち取りました。私たちのプロデューサーはエネルギッシュで音楽に情熱的なBlanton Alspaugh。下のヴィデオでこのアルバムについて語っています。ヴィデオの後半で喋っているのはコンサートマスターのScott St. Johnです。 この受賞が格別嬉しいのは、録音の予定が一度無期延期になってしまったいきさつがあるかも知れません。元々このアルバムはテキサス州のラウンドトップにあるFestival Hill演奏会場で録音されるはずだったのです。予定日は2017年の9月。丁度、ハリケーンハーヴィーがヒューストン一体を洪水にしてしまったときの事です。 当初の録音予定日の前日。私の心の友にして、ROCOのクラリネット奏者である佐々木麻衣子さんはすでに洪水の心配のために、アパートの4階にある私の部屋に避難して来ていました。それでも私たちは、何とか運転して録音会場に行くつもりでいたのです。でもメールで録音の無期延期を知らされ、本当に気落ちしました。 その時の事情、そしてそれでも録音の日程を組みなおして「Harveyなんかに負けない!」と頑張ったROCOの奮闘記は下のヴィデオでご覧いただけます。 振り返ってみると、このアルバムがここまで深く音楽的に仕上がったのは、ハリケーンや無期延期を乗り越えて、録音に携わった全員が心を一つにして頑張ったからなのかも知れません。そして今回、そのプロデューサーがグラミー賞を受賞…本当に感無量です。この録音の一部となれたこと、ROCOの一員であること、そして人生のさまざまなチャレンジにも負けず、創造性豊かに生き続ける決意を曲げない人類の一員であることを、今日は特に祝いたいと思います。
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毎年恒例、カリフォルニア州はアナハイムのコンベンションセンターで開かれるNAMMショー。NAMMはNational Association of Musical Merchantsの略。ウィキによると世界最大規模の音楽産業トレードショー。楽器メーカー、録音機器、オーディオ機器など音楽関係の産業が世界中から出展しに来る。今年のNAMMに出展者として登録した人は130か国からは11万5千人以上。NAMM開催中の取引総額は11億ドル。2020年のNAMMショーは1月16日(木)~19日(日)までの4日間。NAMMショーの事は聞き知ってはいたけれど、参加は今年が初めて。私はShigeru Kawaiアーティストとして出演させて頂いた。 どういう環境でどういう聴衆のために弾くことになるのか、正直心配だった。でも、立ち見のお客さまたちが皆集中して20分のミニコンサートに聞き入ってくださった。入ってくる方はいらしても、演奏中に立ち去るお客様は見当たらず、最終的に40~50人のお客様がいらしたのかな?ちょっと感動してしまった。どういう場所でも音楽を通じて心を交わす事って可能なんだな、と嬉しくなった。 アナハイムはディズニーランドやエンジェルス・スタジアムが在るところ。LAから車で一時間程。アナハイム・コンヴェンションセンターは大規模。4階建てで、端から端まで歩くと余裕で10分はかかる。 そのアナハイム・コンベンションセンターですら、NAMMを収容しきる事は不可能。出演の朝、到着してみて度肝を抜かれた。コンベンションセンターから徒歩5分以内にあるSheratonホテル、Hiltonホテル、そしてMarriotホテルと、その周りの外のスペースが全てNAMMに占拠されているのだ!ホテルは全ての集会場や廊下やロビーが出展者の演奏会場やブースやショールームと化している。外のスペースには野外コンサート用のテントがいくつも建てられ、朝っぱらからいくつもの演奏会が同時進行している。 音楽産業の規模を体感した一日でした。





