乾燥機が規則正しく洗濯物を回す居間の外で、雨が静かに降っている。 時々、雷が遠くで転がる。 メンデルスゾーンの二楽章を復習する合間に バニラとグレープフルーツ風味の白茶をすすりながら（ああ至福）と思う。 木曜の午後の締め切りぎりぎりまで論文のリサーチと執筆に没頭し、 翌朝、日の出前にLAに向かった。 昨日の夜中過ぎにカラカラに晴天のLAから帰って来て、 明日からマサチューセツ州の音楽祭で演奏と講師。 今日一日ヒューストンで、中休み中の実に久しぶりの練習。 「一日何時間位練習されるのですか」とよく聞かれるけれど、 今週は「一週間何時間？」だな～、と思う。 そして鍵盤の感触、楽譜を読むと言う行為、ピアノの音の新鮮さ、 メンデルスゾーンの素晴らしさに、一々感動している自分を発見する。 練習しすぎると感動が亡くなる。 19世紀の練習に対する考えは大きく真っ二つに分かれた様だ。 片方では「一日18時間！」と謳うピアニストのグループが在った。 ヴィルチュオーゾ・スーパースターのリストは、 パガニーニの超絶技巧に打ちのめされ 「3度、6度、トレモロ、オクターブ、連打などの技巧練習だけに一日4-5時間」かけ 気が狂ったように一日中練習したそうだ。 生徒にも同じようにスケールのみに3時間かけることを進めたりし、 （ただし、強弱や調性を色々変えながら） 退屈さを紛らわらせるために本を読みながら練習すると良い、と進言までしている。 ヘンゼルは聖書を読みながら一日10時間バッハを「音無し鍵盤」で練習し、 ドライセックは一日16時間の練習をこなした、とされている。 彼らが目指していたのは、意識しなくてもどんな技術でも弾きこなす手、である。 手（や技術）と意識や音楽性や個性を切り離して考える考え方には 彼らなりに当時の医学や科学で論理付けをしていたらしい。 ロバート・シューマンは、自分の手に「宣戦布告」までしている。 この「練習すればするほど良い」と言う「質より量派」の考え方は 少なくとも一部は工業革命の結果、と言えるのではないか。 「分析可能なら量産可能」と言う考え方の元、 兎に角量や数をこなす事によって究極的に質の向上まで持っていく、と言う考え方。 音楽教育では練習の補助のための機械（メトロノーム・指をつるし上げる機械、など）が 一時はプロシアの学校に配布されたり、 グループ・レッスンが行われたり、ピアノ教則本が爆発的に売れたりした。 ピアニストも量産可能なのか？ 一日十時間練習するえば、誰でもヴィルチュオーゾになれるのか？ …それだと、「ヴィルチュオーソ」の希少価値が失せ、 ピアニストの芸術性に関する疑問符が湧いてくる。 「質より量練習派」に相反する考え方だったのが、 「一日3時間以上の練習は無駄」派。 こちらにはショパン、 クララ・シューマンの音楽教育を全て管理したクララの父親、フレドリック・ヴィーク、 そして大人になって独立したクララ自身、等が居る。 クララの父親は「自然に帰れ」のルソーや教育論者のパスタロッツィの概念を受け 「感覚で最初に学び、その後知覚する」や「人間全体を見た音楽教育」を謳い、 クララが幼少の頃から3時間の練習のほか、3時間の散歩（早歩き）を義務付け、 もう少し成長してからは、その他に芸術鑑賞や作曲の教育など、を実行した。 （その代り、学校は「時間の無駄」とされ、クララはほとんど通わなかった。） 諸事情から、成人後家族の大黒柱となって教育活動や演奏活動を手広く行ったクララが 自分の子や、孫の養育まで手掛けていたのを考慮すれば、 彼女は一日10時間も練習する贅沢を許されなかったことは明らかだが、 その上彼女は膨大な量の日記や手紙を執筆している。 この二つの考え方の根本には、「何を『崇高な』芸術とするか」と言う事があると思う。

楽譜を読む能力は音楽を楽しむためにどれくらい必要か？ Leon Botstein著『Listening through Reading: Musical Literacy and the Concert Audience』 Nineteenth-Century Music, Vol. 16, No. 2,Music in Its Social Contexts (Autumn, 1992) pp. 129-145. University of California Press. チャールズ・アイブスは音楽を描写するために使う言葉が読む人の音楽の体験を影響してしまう事を受け、「言葉を超越した絶対音楽」の概念は無理だとした。音楽を言葉その物と捉え、物事の本髄を表現することによって現存する言葉を超越した世界共通語となることを目指すことができるだけ、とした。 この記事で著者は、音楽と言葉の関係の歴史的な発展を追っている。 18世紀の後半、一般聴衆と言うのが中産階級の出現によって広まった。文盲率の減少、都市化、市場経済の発展、印刷物による一般情報の多様化の結果だった。表現の自由や、活発な情報交換、多数決などによる社会形成が文化を大きく影響した。 このころのアマチュアの多くはまだ貴族的教育の名残を受け、アマチュアとしてでも楽器演奏だけでなく、作曲も出来た。 18世紀の終わり頃すでに設立されていた音楽に関する文学は批評、美的概念論、そして音楽に関するフィクション。ここに音楽の歴史（1776～）や作曲家の伝記が少し遅れて加わる。 このころのアマチュアと言うのは大体歌を歌うか、弦楽器を演奏していた。（ピアノはやはり一般的には高額だった。）歌や弦楽器だと「楽譜を読む」と言う行為は、音符を見たらその指示されている音程を自分で分かり、発音できなければ行けない。 19世紀の始めごろから消費者社会になり、文化は娯楽に成り下がる。 しかしこのころから音楽学校の設立が盛んになる。 1848年の革命を境に、ドイツ語圏を中心に音楽文化がもう一度盛り上がる。合唱クラブやアマチュアアンサンブル、中産階級の中からスポンサーを募って運営する公開演奏会。それまで家庭内だけで音楽演奏を楽しんでいたアマチュアが社交的に音楽創りを楽しめる。 ピアノが安く手に入るようになり、沢山の家庭に進出。ピアノでは楽譜を読むと言う行為が、音を見ればどの鍵盤をどの指で弾けば良いか、と言う事になる。歌や弦よりもずっと簡単でだれにでも出来る。 ピアノが「音痴でも弾ける楽器」を提供したことと同時に、消費者経済の影で音楽が大衆娯楽となり下がる危険。これら危惧した評論家たちが、ベートーヴェンの崇高化などを通じて、いわゆる「クラシック」音楽を通じた精神性や意識の向上、教育効果などを高らかに歌い始める。 19世紀後半になるとここに曲解説や、どうやって音楽を聴くべきかを説く本、音楽の簡単な略史、演奏会用の演目解説、そして音楽誌が沢山出回る。 このころは演奏会の供給が需要に追い付かず、一般聴衆は音楽イベントに飢えていた。 その飢えをちょっとでも満たすために、旅行ガイドの様な音楽批評を多く出回った。 …19世紀後半以降は私の博士論文に直接関係が無いので、とりあえずここで中断。 すでに一応知識としてぼんやり理解していることを的を得ている他の人の言葉で読むと、爽快！ 音楽人生、万歳！

器楽曲は「崇高」だと言う考え方はベートーヴェンが活躍する直前にすでにTieckとWackenroderによって提唱されていた。その後、ベートーヴェンを崇高な器楽曲作曲家の象徴とする動きは1800年ごろから始まる。それと時を同じくして、暗譜の記述が増え始める。 これは偶然ではない。 「崇高」とされた器楽曲は「絶対音楽」と呼ばれるものである。ここに於いて始めて、音楽はプロセスではなく芸術的創造物となる。演奏イベントでは無い、すでに創造され完成されている音楽を蘇らせるだけである。しかもその創造物は完璧であり、その全体像を把握して始めて詳細の意味が分かる、とされた。つまり、始めから終わりまで音楽を経験したのでは絶対に分かり得ない。だから初見はもうだめ。そして事細かな詳細全てが全体の一部として重要な役割を果たしているため、一音でも変えると、全体像が崩れてしまう。だから昔の様に楽譜に装飾音を足すとか、即興アドリブを入れるとかも、NG。つまり「絶対音楽」に於いては奏者は楽譜を忠実に再現することが求められる。そして全体像を把握し、一音一音が全体像を完成するためにどのような役割を果たしているか理解し、その全てを消化した上で演奏して初めて、芸術になる。 暗譜になるのは、当たり前ではないか。 これを、明日と明後日で、書きます。