練習法

自分の演奏の録音を聴くのは、自分の声の録音を聴くようなショックがある。 「え！？これが自分？」 例えば、自分で録音した留守電メッセージを確認のために聴くのが苦痛なように、 自分の演奏の録音を聴くのも、実に実に、気が進まない。 歯医者に行くのと同じくらいいやだ。 しかし、これが非常に勉強になるのである。 今日は誇りを持って報告しよう！ 私は今週土曜日の自分のみなとみらいホールでの演奏録音を聴きました。 まだ30日にもう一度千葉美浜文化ホールで≪南欧の愛と幻想≫を演奏する。 その時に自己ベストを尽くすためにも、反省のためにも、聞かなきゃ… 土曜以降ずっとそう思っていたが、 今日火曜日にやっとその勇気が出たのは 聴衆の皆さまからのメールやFacebookメッセージのおかげである。 実は私は演目の一番最初に弾いたショパンの幻想即興曲は 壊滅、惨敗で、穴があったら入りたい、と思って弾き終えた。 普段、想定もできないようなミスタッチをたくさんして、 （自分はなんでピアニストなんて言う職業を選んでしまったんだ…）と 悲しい気持ちで舞台そでに引っ込んだ。 ところが、コメントで 「幻想即興曲が良かった」 「よく知った曲が熟考された新しい解釈で新鮮に聞こえた」 と言うようなお褒めの言葉を多数いただいたのである。 奏者の本番直後の自己評価が聴者の評と大きくずれることは、実際よくあることである。 私はそれで、録音を聴いてみる勇気と興味をいただいたのである。 （ご感想くださった皆さん、ありがとうございます‼(≧▽≦)） 録音を聴いてびっくり！ 曲全体の印象を大きくゆがめてしまうくらいの破壊力に思われたミスは 一瞬の出来事でほとんど聞こえない。 確かに不安定さがあり、テンポが前倒しになり気味だが、 それが却って、不安な曲想を煽り立てている感じにも聞こえる。 そ、それにしても…速い！ この話しはブログにももう書いたけれど、 極度の集中をしている時、主観的な時間がいつもよりもゆっくり流れる。 一秒が一秒以上に感じられるのである。 よく、格闘技の漫画などで、それまで速すぎて見えなかった相手の技が 「み、見える…！！」と言うあの瞬間、である。 しかし、音楽は時間の芸術である。 時間感覚のゆがみが非常に致命的になることがある。 一番単純なのは、 いつものテンポで弾いていると思っているのに実際はずっと速く 物理的に体の動きが追い付かない場合である。 例えば録音のスカルラッティのソナタで、私は腕の交差が追い付いていない。 （集中ができていない）とか（緊張しすぎている）とか演奏中は誤解してしまうが、 実際はもっと単純に、極度の集中で時間の感覚が変わり、テンポが速すぎるだけなのだ。 次に困るのは、難しいパッセージだけ集中度が増す、と言う現象である。 簡単なフレーズが続いて、急に難しいパッセージが入る。 そうすると、パッとテンポが速くなるのである。 これは私だけの問題ではない。 私の生徒、同僚、そしてプロの演奏でも良くそう言う現象は見受ける。 最後にゆっくり歌い上げているつもりが、 お客さんに感動する間を十分に与えていない、という現象である。 無声映画の時代の、ちょっとだけ早回しの映像で、 チャップリンがいくら泣いても滑稽に思えるのは、タイミングの問題である。 チャップリンは道化役だからそれで良いのだが、 音楽ではそうはいかない。 […]

今年のリサイタル「南欧の愛と幻想」にはこの曲が入っている。 「ああ！この曲…」と思われる方も多いだろう、有名な曲だ。 アルベニスの「アストリアス」。 ギターの編曲が有名だが、アルベニスのオリジナルはピアノである。 スペインの民族音楽が素になっている。 このYouTubeを見てお分かりだろうが、この曲にははっきりとしたむずかしさがある。 跳躍である。 ここでピアニストのジレンマがあるのである。 ピアニストの楽譜立てと言うのは、 鍵盤の前に背筋を伸ばして座って、まっすぐ前方を見ると見える位置にある。 これが一番「良い」姿勢、体に負担がかからない姿勢、腕や手の動きが楽な姿勢である。 しかし、こうすると鍵盤が見えないのである。 これは、暗譜をする一つの理由になっている。 しかし、暗譜をしても、このような跳躍の場合はどうしたら良いのか。 鍵盤を見ないで、良い姿勢を保ち、触感と筋肉の動きだけで跳躍をする、 と言うのは一つの方法である。 しかしこのように遠くに跳躍をする場合、体の重心を全く動かさずに、と言うのはほぼ不可能。 そして、重心がずれると、指針がずれるので、触感と筋肉の記憶だけで跳躍を正確にするのは 非常に難しくなる。 しかし、鍵盤を見ようと首を下にすると、腕の動きが明らかに少し限られるのである。 特に私のように座高が高い人は不利である。 論理的には、鍵盤と楽譜立てからの距離が遠ければ遠いほど、両方見えることになる。 （楽譜立てに楽譜を置かないが、『楽譜立てを見る』姿勢を一番良い姿勢としての話し）。 だから、椅子をぐっと後ろに引けば、となる。 しかし、現実問題腕の長さは限られているし、 この曲のように高音鍵盤と低音鍵盤に同時に跳躍するとすると、 やはりある程度の近さに居ないと楽に届かない。 全てはバランスの問題なのだ。 が、そのバランスを毎日違った会場で、違った椅子で、違ったピアノで図るのが難しい。 最初のヴィデオはわざと、苦労して弾いている人のヴィデオを乗せましたが、 次に名人を、二人。 アリーシア・デラローチェはやはりすごい。 しかも、彼女の背の低さと手の小ささを考えると、信じられない！ まあ、背が低いと自然と重心が低くなり、安定するという利点はあるが。 そして、次にこの人は、タイミングを絶妙に計ることで跳躍を簡単にしている。 う～ん、なるほど。とても参考になったぞ！ みなとみらい、お楽しみに！

パリから帰ってきてしばらく、 音楽よりもピアノ技巧に集中することによって心頭滅却を試みている。 朝一で午前中、正午のヨーガのクラスまで練習することが多いのだが、 久しぶりにゆっくりスケールや練習曲をさらい、 自分の体と鍵盤と音のつながりを確認。 禅僧のような練習をしている。 最近自分に課しているチャレンジ。 午前中の練習にはペダルを使わない。 特に演奏会に向けて練習している時は、 本番に近い奏法で、本番をイメージしながら練習することが多くなる。 勿論ペダルも使い、音楽的に歌いまわしながら弾くことを、朝から晩まで試みる。 でも、最近気がついたのだが、そうすると死角が出てくるのである。 ペダルを使わない利点は： １．すべての音を意識するようになる。 ２．上の１．の結果今まで意識していなかった和声や装飾音の発見があり、新鮮。 ３．地に足が着く。 この３．はヨーガの着想。 ヨーガでは「地面からエネルギーを得る」、と言う言い方をする。 地についた自分の足をしっかり意識することによって、自分の確認をする、と言う意味だと 私は理解している。 日本語の諺「地に足をつける」とか、英語では「be grounded」とかも ほぼ同じ意味だと思う。 ところが、ピアノを弾いていると大抵右足はサステイン・ペダル、左足はソフト・ペダルに乗っていて、 地に着いているのはかかとだけ、になってしまう。 そしてこのかかとがピンポイント・ヒールなどを履いているときはもう悲劇。 本番中、この状態で緊張のためひざが震えたらもうアウトだ。 ペダル無しで練習していると、足をしっかりと地に着けてピアノを弾くことになる。 そうすると、落ち着いて冷静に、色々な判断が出来てくるのである。 聞き方もより分析的に、客観的になって、全く違ってくる。 ペダルを用いて演奏することは、まるで酔っ払って演説するような物である。 酔っ払っていると、勢いが出てくるかもしれない。 声が大きくなり、顔が紅潮し、人をも一緒に酔わせやすくなるかもしれない。 しかし、酔っ払いながらの演説に筋を通し、説得力を持たせようと思ったら、 素面のときの演説内容の裏づけリサーチと、冷静な論理づくり、そして練習が必要だと思うのだ。 そうしなければ、単なる自己陶酔だ。 自己陶酔と、共感を呼ぶ情熱の違いは本当に紙一重だ。 そこが素人とプロの違い、とさえ、言えるのかも知れない。 そして、素面でペダル無しの練習は新鮮で楽しいし、 自分に厳しくなる、良い修行。 午前中は酔わない！

いかに効率よく練習ができるか。 いかに体の負担を少なくして、効果的に難所を弾きこなせるか。 演奏者の永遠の課題である。 ヨーガの影響もあるのだが、私は最近 いかに体の中心から弾くか、と言う事を意識して練習している。 例えば、単なるスケールやアルペッジオでも 指先だけに集中してパラパラと弾くよりも 軸を手首よりも、肘よりも、肩よりも奥に、 背中にイメージするのである。 背中から鍵盤に向かって半円を描くイメージで 鍵盤を上下する。 その時に体の軸をしっかりとするため、重心を下げるべく丹田も意識する。 そうすると、不思議なことに熱くなってくるのである。 ポカポカ。 何故だろう。 指揮者や良く、汗をかく。 管楽器奏者も良く汗をかく。 最近、我が心の友、Mさん（クラリネット奏者）とのCD録音のため 何時間もリハーサルや録音作業をしたが、 彼女の鼻の頭が汗の玉で光っているのに 私は全然。 まあ、普通ピアニストは座っていることもあるのか、他の奏者より発汗は少ないのだが、 補佐役で大活躍をしたMさんのBFに 「マキコはきっとうまいから汗をかかないんだね(＝⌒▽⌒＝)」 とおだてられたが、 実はその反対だったのかも… 最近では練習室の体感温度が練習の効率のバロメーターである。

今週末は、結構ぎっしり色々やった。 金曜日の夜はリハーサルで、帰宅11時。 土曜日は朝からメールで色々な必要連絡を取った後、 正午から論文執筆。 土曜の夜はCD録音セッションと後の飲み会で帰宅2時半。 日曜日は朝から論文、午後に昨晩の録音の聞きなおし、 夜はパーティー（日本人会―CDの演奏とご挨拶程度の演奏披露）。 論文を書くと、練習できない。 練習をすると、論文が書けない。 両方満足にしようと思うと、世捨て人になるしか無い気がする。 そして私は人生の少なくとも何年かはそうして世捨て人として過ごしたのである。 でも、世を捨てた人間が何のため、誰のために音楽をするのだろう？ 理屈が通らない。 修行のために区切られた時間を「世捨て人」的に過ごすのは良いし、 私はそうやって我武者羅に練習・勉強した日々を 感謝して、誇りに思っている。 でも、結局音楽は世のため人のためにやらないとむなしい。 「毎日何時間練習するべきか」と言うヴィデオが一時Facebookの私の友人間で話題になった。 パメラ・フランクと言う、ヴァイオリニストが演奏家の卵にメッセージを送っているヴィデオである。 （パメラ・フランクは私がしばらくレッスンに通っていた伝説的ピアニスト、 クロード・フランクの娘さんでもある。 タングルウッド音楽祭に参加した際は、 この親子に室内楽のコーチをしていただく光栄に恵まれた） 彼女は 「練習は量より質。何時間練習して演奏に臨んだか、と言うことを気にする聴衆はいない。 本当に集中したら、私は一日2時間以上は練習できない。 でも、練習中は自分に残酷なほど正直になること。 弾けないこと、を練習する。 頭を使う。 工夫をする。 そして、残りの時間で人生を思いっきり楽しんで、自分の音楽の肥やしとしなさい。 頼むから、練習時間を増やすことだけに、満足を感じないで。 頼むから、もっと内容の濃い練習を、少ない時間で頭と心とを使ってやって。」 このヴィデオは私にかなりのインパクトを与えた。 丁度、余りに余暇の少ない自分の生活に疑問を持っているときに見たこともあり、 しばらく練習量を最低限まで減らしてみた。 しかし、まさに「質より量」の練習をして来た、 そしてそうする事が当たり前だった環境から来た身としては 一抹の不安に駆られるのである。 （これで本当に自分は習得しているのだろうか？） そして、最悪の心配はそれが演奏に影響しないか、と言うことである。 彼女の提言を実行するには、 内容の濃い練習だけでなく、 経験と（私には経験はあるはずなのだが） かなりの自信が必要だ、と思う。 さて、その自信を培うにはどうしたら良いのか．．． さ！練習、練習。