Category: 演奏

演奏会の後、聴衆の方に「暗譜で弾かれるのは凄いですね～」と良く感心される。 確かに、暗譜と言うのは少なくとも私にとって演奏への準備の努力の大きな部分を占める。 ソロの演奏で暗譜が必修なのはピアニストだけである。 ニューヨーク・タイムズの音楽評論家は何年か前に一度 「本当に暗譜と言うのはそんなに必要なのか?　 暗譜を必修にしなければピアニストのレパートリーは広がり、 演奏中の事故は減り、プラス面が多いのではないか?」と言う記事を発表した。 暗譜で弾くことによる利点と言うのも、逆に在る。 詩を朗読する際、活字を読みながらの朗読と、暗記でする場合の感情移入と言うのはやはり増えると思う。 しかし、自分の記憶に自信が無い場合、それで集中が途切れてしまう場合がある。 また曲や奏者によっては、暗譜をするまで弾き込んでしまうと新鮮さを失って逆効果の場合もある。 しかし現実問題、今の世の中で楽譜を使って堂々と聴衆からお金を取った演奏会をするのは勇気が要る。 私は自分の勉強・修行も兼ねて今までの演奏は全て暗譜で行っている。 暗譜でする演奏と言うのは目的地に向かって歩いて行くのに似ている。 地図や道順が頭に入っている場合は、道端の花や景色を楽しみながら自由なペースで行ける。 ただし、自信が無い場合や、始めから方角がきっちり分かっていない場合は恐怖である。 裏覚えのヒントを必死で探し、それだけを藁にもすがる思いで進んでいく。楽しいどころでは無い。 もともと方向感覚の優れている人と言うのもいるし、方向音痴の人もいる。 それと同じで始めから曲の構造（地図）が簡単に頭に入る人とそうじゃ無い人もいる。 ただし、地図が頭に入っていても、その日の集中の度合いや調子によっては 道筋を間違えたり、突然方角や道順が分からなくなったりするものである。 これを阻止するためには、いつも次の道、次の道しるべ、と先を考えることである。 しかし、「良い演奏」と言うのはその瞬間瞬間に自分を投じて、計算をしないことである、と私は思う。 前読みと、瞬間瞬間に一所懸命になる、 この二つの相反する意識のレヴェルをどうバランスするか。 これが、暗譜の難しさだと思う。

私の日本での演奏活動は２００１年に始まった。 その後毎年恒例で続けてきた日本での演奏会は、今年で１０年目を記念する。感慨深い。 今年のプログラムはそんな２０１０年を記念して、「生誕記念の作曲家たち」と言うタイトルである。 始めは１８１０年生まれのショパンを祝って、ショパンづくしのプログラムにしようと思っていた。 私は「君は何で音楽学者を喜ばせるような選曲ばかりするんだ!」と先生が嘆いて尋ねかけるような、奏者にも聴衆にも難しい難曲ばかりを並べて演奏して来た。ベートーヴェンの超難解ソナタ、「ハンマークラヴィア」は２００８年に演奏したし、私が「秘宝」と名づける、けれども全く誰にも馴染みの無い曲を並べたプログラムや、12音階のショーンベルグやベルグとシューベルトやモーツァルトを比べた「ウィーン楽派」のプログラム、などなど。ティケットの売り上げについての心配をあえて無視して、こうして私の音楽探求心を尊重してくれた主催者の人々、そしてそういうプログラムでもいつも応援に駆け付けてくれて暖かく見守ってくれた聴衆の方々には本当に感謝が尽きない。そう言う皆に感謝の気持ちの表現のつもりで今年はショパンを一杯弾くつもりだった。 ところが、幾つかの事実に気が付いたのである。 ＃１この夏ははショパン・コンクールが在る。ショパンは沢山演奏されるだろうし、沢山放映されるだろう。その時期にショパンを弾くのはちょっとショパン過ぎじゃないか? ＃２同じ年に生まれたシューマンを弾かなければ、片手落ちではないか。 シューマンとショパンは同じ年に生まれ、どちらもその人生においても、音楽においても、絵に描いたようなロマンティストであるが、同時に正反対の要素も多い。比較検討が非常に面白い二人なのである。例えば、ショパンは祖国ポーランドの革命や、パリへの亡命、そして肺結核など若い時から色々な困難に直面しながらも、本当に幼少の時から作曲活動を生涯続けた、ほぼ独学の、生まれつきの作曲家である。一方シューマンは父親の命令で不本意ながら法律の勉強をしたり、音楽と同じくらい文学に入れ込んだり、練習しすぎて手が動かなくなり断念したけどピアニストを目指したり、結構回り道をした「努力家」の作曲家である。この二人の違いはその作風にも如実に表れている。そしてその多様性は、ロマン派の多様性をそのまま反映しているようで、それもまた面白いのである。 しかし私はそこでまた、広げたくなってしまうのである。それじゃあ、その百年前、百年後に生まれた作曲家にはどんな人が居るのか。百年後、１９１０年に生まれた作曲家で有名なのはアメリカ人のサミュエル・バーバーである。私は彼のピアノ協奏曲を弾いたこともあるし、余り多くは無い彼のピアノ独奏曲も遊びで弾いたり、レッスンで教えたりした、思い出深い曲が多い。１７１０年に生まれた作曲家にはバッハの息子の一人である、ウィルヘルム・フリードマン・バッハが居る。カール・フィリップ・エマニュエルや、ヨハン・クリスチアンなどと言う有名な息子の中では少し影に居る息子だが、しかし彼の鍵盤ソナタは時にスカルラッティを彷彿させるような鍵盤技巧を駆使したり、突然面白い転調をしてみたり、なかなか面白いのである。 と言うわけで、５月中旬に始まる私の今年の日本での演奏会での本格的練習、開始である。

今日の演奏会場は前もって「非常に残響が多い」と色々な友達から聞いていたので、気持ちの準備は出来ていた。 でも、弾き始めて、ペダルを気を付けて加減して、出る音に集中して弾いていたら段々楽しくなってきた。 「その楽器、その部屋の音響と言うのは共演者と考えて、その性格やくせと『共演』することを楽しもう」と云ったのは私の友達のライアンだけど、今日はばっちりそれが出来た感じ。 しばらく新しい、「音響設計」がばっちりなされたホールばかりで弾いていた。クリーンで、完璧でかえって気が飲まれてしまう感もある。今日は久しぶりに古い、計算されて設計された訳では無いホールで弾いて、ちょっとゲーム見たいで楽しかった。残響が多い、と言うことは残響をコントロールできればピアノと言う打楽器的な、発音だけしかコントロール出来ない楽器でもかなり「歌う」ことができる、と言うことだ。 こういうのも悪く無いなあ、と思った。

昨日はレッスンがあったので、ニューヨークに行った。 レッスンの前、去年までコルバーンに居て今年からジュリアードで勉強している友達の演奏会に行ってきた。ジュリアードが毎週行っているウォール街に在るオフィス・ビルのロビーでのお昼時の一時間の演奏会だ。ジュリアードから選ばれた在学生が、小額のギャラと演奏の機会として、ここで弾く。吹き抜けの広いスペースで、ガラスに囲まれたロビーの一角は、視覚的にはすがすがしくて気持ち良かったが、回転ドアから絶えず人が出入りして、そのたびに冷たい風が吹き込んで、私の友達はコートを着込んで演奏していた。とても静かとはいけない環境で、「ランチ・タイム・コンサート」と名打ってあるだけあって、紙袋の音を高らかに立てながらサンドウィッチを食べている人もいる。その中でコートを着込んだ私の友達は、私が今まで生の演奏会で聞いた中で一番調律の狂ったピアノで、正直にベストを尽くしていた。一時間の演奏会がそういう状況の中ですすんでいくにつれ、彼女の真摯な姿勢が伝わったのか、段々足を止め、きちんと座って聞くことに専念する人が増えてきて、幸い演奏会が終わるころには２０～３０人の人が一生懸命拍手をして、彼女に敬意を表した。 私は複雑な気持ちだった。 クラシック音楽がお固い、敷居も入場料も高すぎる、と言うイメージは払拭したい。生演奏を日常の空間に、音楽や音楽家をより身近にと言う趣旨にはとても賛同する。しかし、ここまで妥協をするべきか。私の友達は立派だったと思う。私だったらあそこまで環境を無視して音楽に専念できただろうか? でもまたその一方、クラシックの演奏家は余りにも甘え過ぎているのか、という疑問もある。他のジャンルの音楽家は駆け出しの時にはクラシックの演奏家には想像もつかないような悪条件の中で演奏活動を始めなければいけない。それだけではない。バッハやモーツァルト、ハイドンは、コックと同じ条件で貴族に雇われる「使用人」だった。命令に従って、注文通りの作曲や演奏をしなければいけない。革命後のヨーロッパのロマン派の作曲家は今度はお金や権力を持つエリートのサロン・コンサートで演奏して、パトロンを見つけたり、コネ造りに励んだりした。そう言うサロンのピアノの全てがキチンと調律されていたとは、とても思えない。きっと歴史上、今現在の私たちほど演奏する楽器や環境の条件に煩い演奏家はいないだろう。これは間違っているのか?それとも、オリンピックの記録更新の様に、もっともっと完璧を目指す私たちには、そうすることが許されるべきなのだろうか? 一つ、このコンサートでとても良い、と思ったことは「ランチ・タイム・コンサート」と言うことで、「静かに聴かなければいけない」と言うプレッシャーが少ない事を見込んだ教育熱心な親たちが小学校低学年の子供たちを連れて来ていたことだ。それに、私が行ってあげられたから、後で二人で普通の聴衆には分かり得ない苦労を一緒に笑ってあげられて、良かった。一人だったら寂しかったと思う。

本番で、一番大事で、一番難しいのは多分、平常心を保つことである。 緊張して、一番大きく変わる、のはテンポ感、リズム感である。 心臓がいつもより速く打ち始めると、テンポ感もいつもより速くなりがちだ。 自分ではいつもと同じテンポで弾いているつもりでも、実はいつもより速いことは多々ある。 難しいパッセージに来て突然（いつもは弾けるのに、なぜ急に指がおっつかないんだ！）とパニクッたりすると、 さらに心臓がどくどくして、余計悪循環である。 しかし、吹奏楽器の人には、このことがさらに直接的に演奏するんだ、と言うことを 今日改めて確認した。 緊張して、呼吸が早く、息が浅くなる、という現象は、吹奏楽器の演奏においては致命的だ。 今日は、舞台裏で今までで一番気を使った。 下手なジョークをかまし、凄くポジティブ思考の発言を思いつく限りして、 必要と感じたら一生懸命ハグをして、舞台上でもしっかり目線を交わして、にっこり笑う。 （大丈夫だよ） （さあ、一緒に美しい音楽を奏でるんだよ） （大丈夫、息継ぎが必要ならいつまでも待ってあげるよ） ニコニコニコニコニコニコ 人を一生懸命サポートしようとしていると、なんだか自分自身が強くなったような気がする。 私も、舞台上で平常心で保つのに苦労する演奏家の一人だが、 今日はジェニーに集中していて、自分の緊張は全く忘れていた。 そして結果は大成功だったのだ。 私の尊敬するアラン・ヴォーゲルからも、聴衆の皆からも一杯ほめられて、 ついでに伴奏の仕事が一杯来た。 ありがとう、ジェニー！