August 2016

ここ二十年来の音楽学は変貌を遂げて来ているそうである。 最近では作曲家とその作品、それらに関する当時の哲学的・分析的言及のみならず 当時の演奏者や聴衆に関する研究、アマチュア音楽愛好家の活動や、 音楽家のパトロン、音楽産業の市場事情など、さまざまな角度から 実際の音楽活動がいかに行われ、いかに受け止められていたのか、 研究が進んでいるそうである。 だから私の博士論文のトピック「ピアノ演奏に於ける暗譜の起源」は「ホット！」なんだそうだ。   そう教えてくれたのは、去年ライス大学の音楽学助教授として就任して来たキーファー。 彼女の専門は、19世紀終焉から20世紀初期にかけてのフランスでの科学の歴史、五感の歴史がどのようにドビュッシーの音楽に於ける自然主義へと発展したか。 彼女が、私が先日ブログに書評を書いた「ロマンチックな演奏解剖学」を勧めてくれた。 http://ameblo.jp/makikochan6/entry-12186148890.html   その彼女が次に勧めてくれた本がこれ。 Brian Kane著、Sound Unseen: Acousmatic Sound in Theory and Practice　（２０１４）   ピタゴラスはカーテンの後ろで講義をした、と言う伝説があるらしい。 音源の見えない方が、聞き手が音や音の伝達する情報に集中する、 と考えたピタゴラスの工夫だった。 カーテンに隠れて講義するピタゴラスに耳を傾けた聴講者を ギリシャ語で当時Akousmatikoiと呼び、 それが「音源が見えない、音源が明らかでない音」と言う意味の英語、Acousmataになった。 Acousmataの例は宗教的な逸話や、科学が発達する前の自然現象など、色々あるが 引き起こす反応は大きく二つ。 １．音源を明かそうと躍起になる。 ２．恐怖心、好奇心、畏怖の念、宗教心などに満たされる。（「崇高」？）   これは、私の論文に直接使える！ 「音源」を楽器や奏者とせずに「楽譜」として（これはベートーヴェン以降の絶対音楽に於いて19世紀ごろから出回り始めた不思議な概念）、楽譜を使わずに暗譜で行う演奏を「Acousmata」＝崇高とする。 …どうだ～～～！   イェール大学で教授を務めるBrian Kane博士はこのピタゴラスの伝説が実は事実無根である事をまず解明し、なぜこんな伝説が出来たのか伝説の歴史的重要性を追求するなど、音楽学者では無いの？と言うような緻密は研究で本の最初の章を始めたりするのだが、私はそこは読まずに割愛。その後、本は録音の市場、BGMの氾濫、電子音楽へと飛躍。そこも私はスっ飛ばす。   私が興味あるのは4章目。見えない音楽、演奏の要素から切り離された音楽は「絶対音楽」。それを正しい状態で正しく聴いた人間は、超越体験をすることが出来る。ワーグナーはバイロイトの自分の「総合芸術」を演出するオペラ劇場でオペラを完全に客席から見えないように、角度とピットの蓋に工夫をした。しかしその前にすでに18世紀末から「目をつぶって音楽体験」と言う記述は絶対音楽に於ける崇高の概念を打ち出した物書き、Wackenroderなどによって提示されていた。などなど．．．   この本にもKantやSchopenhauerが沢山出て来るのだが、この本は焦点がはっきりしていることと、KantやSchopenhauerの引用がトピックにはっきりと関連性がある事などから、とても読みやすかった。それにしてもこの人は歴史・哲学・電子音楽と実に多様な事に言及している。なんだかスーパーマンに思えてくる。そして私よりも5年くらいしか年上じゃない。ガーン。   キーファーの他に、私は最近、物凄い学者さんと親しくなってしまった。 先週私が講師として参加したArtsAhimsaと言うアマチュア向けの室内楽音楽祭で ヴァイオリンの受講生として参加していた女性が実はコロンビア大学やバーナード大学の教授をし、色々な財団から受賞をしているすごい人だったのだ！ミルクの歴史的背景や社会背景を中世から現代にいたるまで描いた本を2011年に出版している。ArtsAhimsaの図書館にあったその本を私は音楽祭滞在中に二章ほど読んで「この人は凄い！」と思い、自分の博士論文についてアプローチした所、意気投合してしまい、文献の紹介や意見交換など物凄く話し込んでしまった。でも私は博士論文を書いている学生。向こうはアイヴィーリーブの教授。年齢も一回り違うし…と、ちょっと遠慮していたのだが、音楽祭から帰宅した翌々日、とっても長いメールが来て、私との意見交換がいかに新鮮だったか書いてあったのだ！そしてもう一つ文献を紹介してくれた。   Linda Pyllis Austern編、Music, Sensation and […]

乾燥機が規則正しく洗濯物を回す居間の外で、雨が静かに降っている。 時々、雷が遠くで転がる。 メンデルスゾーンの二楽章を復習する合間に バニラとグレープフルーツ風味の白茶をすすりながら（ああ至福）と思う。 木曜の午後の締め切りぎりぎりまで論文のリサーチと執筆に没頭し、 翌朝、日の出前にLAに向かった。 昨日の夜中過ぎにカラカラに晴天のLAから帰って来て、 明日からマサチューセツ州の音楽祭で演奏と講師。 今日一日ヒューストンで、中休み中の実に久しぶりの練習。 「一日何時間位練習されるのですか」とよく聞かれるけれど、 今週は「一週間何時間？」だな～、と思う。 そして鍵盤の感触、楽譜を読むと言う行為、ピアノの音の新鮮さ、 メンデルスゾーンの素晴らしさに、一々感動している自分を発見する。 練習しすぎると感動が亡くなる。 19世紀の練習に対する考えは大きく真っ二つに分かれた様だ。 片方では「一日18時間！」と謳うピアニストのグループが在った。 ヴィルチュオーゾ・スーパースターのリストは、 パガニーニの超絶技巧に打ちのめされ 「3度、6度、トレモロ、オクターブ、連打などの技巧練習だけに一日4-5時間」かけ 気が狂ったように一日中練習したそうだ。 生徒にも同じようにスケールのみに3時間かけることを進めたりし、 （ただし、強弱や調性を色々変えながら） 退屈さを紛らわらせるために本を読みながら練習すると良い、と進言までしている。 ヘンゼルは聖書を読みながら一日10時間バッハを「音無し鍵盤」で練習し、 ドライセックは一日16時間の練習をこなした、とされている。 彼らが目指していたのは、意識しなくてもどんな技術でも弾きこなす手、である。 手（や技術）と意識や音楽性や個性を切り離して考える考え方には 彼らなりに当時の医学や科学で論理付けをしていたらしい。 ロバート・シューマンは、自分の手に「宣戦布告」までしている。 この「練習すればするほど良い」と言う「質より量派」の考え方は 少なくとも一部は工業革命の結果、と言えるのではないか。 「分析可能なら量産可能」と言う考え方の元、 兎に角量や数をこなす事によって究極的に質の向上まで持っていく、と言う考え方。 音楽教育では練習の補助のための機械（メトロノーム・指をつるし上げる機械、など）が 一時はプロシアの学校に配布されたり、 グループ・レッスンが行われたり、ピアノ教則本が爆発的に売れたりした。 ピアニストも量産可能なのか？ 一日十時間練習するえば、誰でもヴィルチュオーゾになれるのか？ …それだと、「ヴィルチュオーソ」の希少価値が失せ、 ピアニストの芸術性に関する疑問符が湧いてくる。 「質より量練習派」に相反する考え方だったのが、 「一日3時間以上の練習は無駄」派。 こちらにはショパン、 クララ・シューマンの音楽教育を全て管理したクララの父親、フレドリック・ヴィーク、 そして大人になって独立したクララ自身、等が居る。 クララの父親は「自然に帰れ」のルソーや教育論者のパスタロッツィの概念を受け 「感覚で最初に学び、その後知覚する」や「人間全体を見た音楽教育」を謳い、 クララが幼少の頃から3時間の練習のほか、3時間の散歩（早歩き）を義務付け、 もう少し成長してからは、その他に芸術鑑賞や作曲の教育など、を実行した。 （その代り、学校は「時間の無駄」とされ、クララはほとんど通わなかった。） 諸事情から、成人後家族の大黒柱となって教育活動や演奏活動を手広く行ったクララが 自分の子や、孫の養育まで手掛けていたのを考慮すれば、 彼女は一日10時間も練習する贅沢を許されなかったことは明らかだが、 その上彼女は膨大な量の日記や手紙を執筆している。 この二つの考え方の根本には、「何を『崇高な』芸術とするか」と言う事があると思う。